Durante los últimos 25 años un buen número de poetas, narradores, dramaturgos y ensayistas han enriquecido y transformado nuestra tradición literaria. Se trata de escritores originales y activos, cuyas obras —parte fundamental del panorama de las letras mexicanas— merecen ser mucho mejor leídas y conocidas. La colección La Centena, en su vertiente de teatro, está dedicada a recuperar esas obras significativas y a valorar a sus autores.

Mario ha desaparecido. ¿Está vivo o muerto? Natalia, su novia, en compañía de su madre —una mujer con una singular propensión a procurarles sepultura a los desconocidos—, viaja de la ciudad de México a Tijuana en su búsqueda. En esa frontera viven Sofía y Juan, hermanos de Mario y a quienes el desaparecido estafó antes de huir. El encuentro provoca que cada uno descubra lo poco que sabía de Mario. En esta obra, que recibió el Premio Internacional María Teresa León para Autoras Dramáticas en Madrid, 2004, presenciamos la odisea de cinco personajes desamparados que, en la búsqueda de un ser querido, intentan encontrarse a sí mismos. Como afirma Bárbara Colio: “Si no guardas al menos una fotografía del tránsito de tu vida, ¿cómo podrías tener la pequeña certeza de que no todo fue un sueño?”

Parte de la trilogía que forman Naturaleza muerta y Marlon Brando —publicada por Ediciones El Milagro en la antología El nuevo teatro— y Animales insólitos, Stabat Mater narra la catástrofe interior de una madre al enterarse de la muerte de su hijo, quien, como un fantasma encarnado, presencia atemporal en la actualidad del drama, en el hoy del tiempo, mira cómo los suyos viven su lenta agonía.

La vida en pareja de Ted Hughes y Silvia Plath, los fantasmas de la creación artística y la vida matrimonial, la monstruosa tortura interior que condujo a la poeta norteamericana a un abismo, se dan cita en esta obra donde la poesía de Plath está perfectamente entretejida con el drama. Una aproximación mexicana, con un punto de vista por demás original, de un tema universal.

A partir de un hecho absurdo, esta obra, que en 1989 mereciera el Premio de Dramaturgia que convocara la Sociedad General de Escritores de México, nos retrata los grandes y los pequeños dramas de la clase media mexicana. A la vez que analiza el problema de la vivienda en México, De interés social hace una buena sátira de las redes de interés económico y político que sustentan esa área de desastre nacional.

Esta obra no sólo es un homenaje a la vida y la obra de Yukio Mishima, el novelista, dramaturgo y activista japonés que cometiera el haraquiri de manera pública como un medio de protesta extrema. Mishima nos acerca a los tiempos de muerte y a los tiempos rituales del teatro japonés desde una versión contemporánea, hecho que destacara el director Abraham Oceransky en la memorable puesta en escena de este texto.

Un payaso y una bailarina tienen miedo de confesarse su amor. Dudan de que el otro sea capaz de entender y de no lastimar sus sentimientos. Sin embargo, contar ante un público la historia de amor entre un caracol y una margarita, a quienes les pasa exactamente lo mismo que a ellos, los lleva a resolver el problema. Esta obra de Tenorio enriquece el panorama de las ediciones de teatro para niños y para público joven. En esta historia no hay una moraleja, sino una verdad sencilla: detrás de una bailarina está una mujer enamorada de un hombre, y detrás del payaso está un hombre enamorado de una mujer.

Durante años el teatro para niños ha sido una de las asignaturas más pendientes del teatro mexicano. En esta edición de La Centena encontramos dos obras de Maribel Carrasco, una de las autoras más serias y consistentes que se han acercado, tanto en la escritura como en la puesta en escena, al universo de los niños. Carrasco, como en otros de sus textos, enfrenta a los niños con problemas reales por medio de un lenguaje fino, delicado, humorístico y pleno de inteligencia. Como homenaje a la ópera, La venganza del gato Boris es un viaje musical que abre la imaginación y la posibilidad del gran espectáculo y también una reflexión sobre la amistad y la traición. Mientras que Morritz y el pequeño Mons, de manera por demás ingeniosa, nos introduce con novedad en uno de los temas recurrentes de los niños: el miedo, la oscuridad y sus enigmas, la pipí como sucedáneo de la parálisis nocturna ante el terror que causa cruzar el umbral de la puerta y el corredor sin luz. Ambas obras nacen de preocupaciones que tienen los niños reales y retratan parte de su mundo y de su imaginación. Aquí hay algo más que buen teatro para niños hay, simplemente, buen teatro.

A partir del encuentro de dos viejos amigos, un boxeador que lee libros interesantes y un mafioso apostador que arregla peleas, Búfalo herido hace una exploración sobre el mundo de la amistad, la traición y los ajustes de cuentas con la propia conciencia. Hablar, cuestionarse, enfrentarse al otro es herir, atacar, sacarle al bulto, arrinconarse contra las cuerdas, lanzar golpes desesperados, destruir y destruirse. Los personajes de Búfalo herido aparentemente no tienen nada que perder y parecen estar en un callejón sin salida, pero aún les queda por dar la pelea más dura, aquélla donde se enfrentan consigo mismos. Aunque a Búfalo le quedan muchos rounds por pelear, él encuentra la manera de librar una batalla consigo mismo, pero el mafioso apostador desconoce ese camino. Del encontronazo brota un crudo drama que tiene la textura de lo real.

Trescientos años después de Cristo, Genesio (Ginés) hacía parodias callejeras del bautismo junto con sus cómicos romanos. Cierto día recibe una iluminación divina que lo orilla a cambiar su conducta. Tras enfrentar diversas pruebas, encuentros consigo mismo y tentaciones semejantes a las de Jesús, Genesio se convierte y utiliza las representaciones teatrales para catequizar y fortalecer a los cristianos perseguidos. Lo atrapan las fuerzas del emperador Diocleciano, quienes lo torturan y, finalmente, asesinan. Desde entonces Genesio lleva el título de Santo Patrono de los Actores. En esta obra los personajes reales y místicos, históricos e imaginarios se entremezclan. Genesio, de cómico a santo fue seleccionada en el Concorso Internazionale di Dramaturgia Religiosa del Vaticano, Jubileo 2000, como un documento significativo de drama contemporáneo inspirado en el cristianismo.

Mutis es la retirada, la fuga, la salida a veces triste e inevitable del escenario de la vida. Es también un homenaje a la belleza y al arte teatral, una reflexión sobre la muerte, la creatividad y la decadencia. Tras el universo misterioso que encierra la máscara del actor, Mutis presenta a un grupo de cómicos de la vieja guardia, de la verdadera farándula donde el público era un participante activo en la representación, que ensaya una obra que lleva por título El fracaso del sábado. A partir de ese acontecimiento ordinario se construye una visión lúdica y trágica, plena de ironía y reminiscencias del espectáculo de la vida y del inevitable paso del tiempo. Mutis se nos revela, finalmente, como una ceremonia del adiós.

La ciruela nos muestra personajes en un estado de permanente desintegración emocional. Sus escenas llevan un ritmo secreto, creciente, de zozobra y fascinación. Las sorpresas envuelven al espectador en la telaraña de la trama y lo llevan a un feliz, pero no por ello sencillo puerto. Lo único que permanece es el símbolo de una ciruela solitaria y siempre verde en un árbol del patio, donde los protagonistas jugaban cuando eran niños y aún desconocían el horror de crecer, envejecer y torturarse. La ciruela, obra que por su fino lenguaje y precisas caracterizaciones obtuviera el Premio Nacional de Obra de Teatro del INBA en 1996, aparece publicada diez años más tarde sin perder su vigente trascendencia.

¿Son las feromonas las únicas culpables del delirio amoroso? ¿Todo es un asunto de dos cuerpos y dos mentes que hacen química? Y una vez probado y comprobado el análisis de los componentes químicos, ¿por qué todo termina? Y, ante todo, ¿por qué terminar así? Estas y muchas otras interrogantes se hace el lector y el espectador que se acerca a estas tres obras breves, ahora reunidas bajo el título de Químicos para el amor, nombre del espectáculo que ha permanecido más de tres años en cartelera bajo el inquietante formato de una discusión de café, donde los espectadores rodean una mesa y se vuelven testigos de un conflicto íntimo. Las tres historias dan cuenta de una química amorosa un tanto desquiciada, llena de dolor e ironía. Carmina Narro investiga el tema con el tino de un alquimista que combina sus medios con maestría. Tras leer o ver sus obras la pregunta asalta a los labios: ¿tú y yo tenemos química?

Mancebo fue un autor que, de manera consciente, como una voluntad de estilo, cultivó un mundo poco frecuente en nuestra dramaturgia: ficciones esperpénticas, plenas de imaginación y absurdo, donde las posibilidades del lenguaje pasan del fatal desparpajo a la más seria búsqueda de un habla hecha de actualidad y tradición. Por un lado, su teatro evoca a sus demonios familiares —Beckett, Ionesco, Valle Inclán, Jarry, Molière—; por otro, tiene una intuición poderosa, un gran sentido del humor y una inconciencia notables. Las tremendas aventuras de la capitana Gazpacho, teatro rebosante de ingenio verbal y humor rabelesiano, obra capaz de incitar la más delirante fantasía escénica, es la muestra más acabada del arte de este joven autor que desapareciera tan prematuramente en el año 2000. La ilustre capitana y su inefable escudero vuelven a navegar en olas de tinta y papel.

Todo acontece la noche del 5 de abril de 1994, poco antes del suicidio de Kurt Cobain —el famoso vocalista de Nirvana— en su casa de Seattle. Kurt está vestido con una pijama de franela. Se inyecta heroína en un brazo. Cuando acaba tira la jeringa en un bote de basura. De pronto se levanta, va por lápiz y papel y escribe su nota suicida. Siente dolor de estómago. Va por una escopeta Remington, la carga, se la pone en la frente y está a punto de jalar el gatillo cuando una luz ilumina la habitación. Aparece la silueta de Frank Sinatra. Lo alumbra un seguidor. En una mano trae un vaso de Jack Daniel’s y en la otra un micrófono con el que canta “The Best Is Yet To Come”. Su sombra es inmensamente larga. Kurt no puede creer lo que ve. Retira el cañón de su frente y se queda estupefacto hasta que Frank acaba de cantar. Éste es el comienzo de No te preocupes, ojos azules, un encuentro extraordinario, un delirio armado con una inteligencia sorprendente, donde dos grandes de la música popular norteamericana se reúnen para confrontar su visión de la vida. El choque va más allá y toca la confrontación de generaciones distintas, sentidos de la vida y del arte. El final evoca aquel lugar común —renovado una vez más por la maestría de esta obra— que nos hace decir: “dicen que cuando te vas a morir recuerdas todo como una película”. El escopetazo, como bien saben los fans de Cobian, cimbró a todo el mundo de la música ese 5 de abril de 1994.

Un hombre y una mujer se encuentran en un departamento vacío en renta. Cada uno carga con su propio, y no muy afortunado, pasado amoroso. Los vacíos esperan colmarse: renace el amor, pero también la destrucción y la eterna pregunta: ¿qué hacer con la pareja?

El lector encontrará ecos y citas de autores clásicos que han abordado el mito de Fedra, pero aquí todo adquiere ímpetus nuevos. El mito da lugar a un mundo personal, delicadamente tragicómico: una historia de iniciación en las formas contemporáneas del amor y la repetición de conductas, las terribles herencias de sangre que nos persiguen.

Las más de 350 representaciones que ha tenido esta obra hablan de su impacto entre el público mexicano. Con la profunda ligereza que caracteriza la obra de González Mello, aquí se narra ese momento en que México aspiró, a manos de Iturbide, a ser imperio. Fray Servando, su antagonista, le da sabor a la tragicomedia histórica de aquellos años. El humor hace acto de presencia.

Seis personajes enfrentados a la aterradora noche cósmica que da título a la pieza tratan de vislumbrar un futuro a la luz y a la sombra de sus íntimas contradicciones. Si el olvido y la desolación parecen aislarlos en un mundo cerrado, la pobreza y la incertidumbre ensanchan los confines del drama. La obra más personal de Olmos, inspirada por los mitos, la música y el paisaje de su infancia.

El enigmático título de esta obra nos remite a uno de sus referentes: el teatro y los artistas que lo hacen, pero también a una serie de preguntas sobre el papel social del arte, la falta de reconocimiento a la labor artística y la necesidad de radicalizar la participación política.

En la frontera norte de México se acumulan cruces. Vivos transitan hacia la esperanza de otra vida en Estados Unidos, muertos regresan hacia el sur profundo. Aquí circulan cartas, ilusiones perdidas, fantasmas, personajes inolvidables, todo un mundo en la brevedad de esta obra sobre el áspero territorio de dos vecinos distantes.

A partir de un suceso real, la inundación de un valle para la construcción de una presa en Sonora, Galindo explora la relación de dos viejos reacios a partir y dejar su terruño a punto de que se suelten las aguas. En este entrañable drama social y humano hay un tercer personaje: una exploración poderosa en el habla regional.

En una casa rodante se reúne un atado de criaturas extravagantes y parasitarias, incluidos una extraña especie de Falstaff y una jovencita que a la menor provocación levanta su falda. En esta comedia negra y de corrosivo humor aparece el retrato de una picaresca vista a los ojos de un autor joven y sorprendente.

Una joven que padece un desorden de personalidad multiplica sus presencias. Los alteregos de Diana encarnan un ajuste de cuentas con la realidad. Historia de amor, de identidades recuperadas y perdidas, plena de humor y ligereza.

Esta obra pertenece a la escueta saga literaria sobre el movimiento estudiantil y la represión del 2 de octubre de 1968. Publicada en 1975 y reeditada sin la supervisión de la autora, ahora ofrecemos la versión definitiva de este clásico de la dramaturgia mexicana.

En un diálogo con el poema “Un tiro de dados no abolirá el azar” de Mallarmé, esta obra nos sumerge en un mundo de indeterminación y múltiples posibilidades combinatorias. Dramaturgia heterodoxa, experimental, premonitoria y, al mismo tiempo, un tratado sobre la desesperación.

Incluye: Mujer lagartija y Una noche de perros… y gatos.

Tres obras cortas que son una muestra magistral del trabajo de este autor de Sonora. La poesía del desierto, la crudeza de criaturas que viven sueños en plena vigilia y un ambiente y un habla regionales no impiden que esta dramaturgia dialogue con las corrientes más modernas del drama contemporáneo.

En la tradición de la revisión de nuestro pasado, esta obra se adentra en la guerra cristera y su sentido social y político. El drama religioso está cercado de odio y tiene raíces profundas en la idiosincrasia del pueblo mexicano.

A partir de referencias mitológicas al viaje ad inferos, al más allá o descenso a los infiernos, Belice nos narra un viaje interior que tiene, a la vez, la textura y la brutalidad del mundo real. Recibió el Premio Nacional Obra de Teatro en 2001.

A un manicomio de mujeres llegan terribles visitantes nocturnos. Las internas los describen con un lenguaje poderoso. Este suceso da lugar a una profunda reflexión sobre la condición femenina.

Incluye: Tabasco negro

Aquí encontramos una muestra de las preocupaciones que han llevado a Rascón Banda hacia temas clave de la vida nacional: el neoliberalismo y la banca desde el punto de vista de sus ejecutivos y el controvertido mundo del petróleo con su urdimbre de corrupción.

Un hecho real ocurrido en nuestra frontera con Estados Unidos: la muerte de 18 ilegales en un vagón de tren dio origen a esta obra que da cuenta de una tragedia cotidiana en nuestro país. Recibió el Premio Tirso de Molina de España en 1989.

La barriada, el baile de salón en lugares de mala muerte, la pasión de amor, el ambiente de los lupanares, la cantada, los bohemios, los padrotes y las prostitutas, los dramas de familia y los resbalones de la moral...

Sinaloa es el ombligo del mundo en la obra de Liera. De la tierra viene el poderío de sus imágenes, sus conflictos y sus diálogos. En esta obra la construcción de un camino da pie a la exploración de una gama alucinante de personajes y conflictos donde lo real es maravilloso.

A lo largo de toda su obra Enríquez ha unido al dramaturgo y al poeta. Su diálogo con el teatro del Siglo de Oro y con la generación del 27 llega a su plenitud en este texto donde las raíces de nuestro idioma se traducen a un lenguaje contemporáneo.

La risa va de la mano del teatro de Licona. Situaciones reconocibles, personajes típicos y una fuerte dosis de crítica social alrededor de la frase: “Abuelita de Batman”. Uno de los textos favoritos del teatro para jóvenes.

El caso de Dora K. da pie a una cómica revisión del psicoanálisis, de la visión que tenía Freud de las mujeres y del papel de la mujer en el mundo contemporáneo.

Pocas obras dan cuenta con tal complejidad y maestría del México del siglo XVI y la tragedia del mestizaje. Ésta es la última edición corregida de un clásico de la literatura dramática del siglo XX.

Dos mujeres descifran los enigmas de su pasado, su presente y su futuro. La historia íntima retrata, a la vez, los problemas colectivos de un mapa que va de Baja California a Chiapas.

Una exploración de los bajos fondos de la ciudad de México. En este terrible viaje de iniciación la feroz crítica social deja lugar a verdades humanas entrañables.

Entrañable parábola del mundo familiar y sus prejuicios. Tres generaciones chocan y se reencuentran a partir del deseo de Tomás. ¿Qué sucedería en una familia patriarcal mexicana si un niño desea ser bailarín?